Louise Campbell clarinet – Louise Campbell

À vos marques, prêts ? Écoutez!

Est-ce que vous êtes déjà assis avec un groupe d’enfant de 8 ans pour écouté en silence pendant une période prolongée ? Encore plus, est-ce que cela est arrivé à la cafétéria où ils peuvent normalement parler avec leurs amis autant qu’ils le souhaitent? Je n’étais pas sûre de la façon dont les jeux d’écoute allaient fonctionner avec les enfants du primaire, mais j’étais convaincue: pour avoir un effet sur les niveaux sonores dans n’importe quel espace, on commence par écouter. Pour que le projet Sound Bites réussisse à réduire les niveaux sonores dans la cafétéria de l’école primaire Coronation, nous devons présenter l’écoute de manière amusante et intrigante pour les élèves…

À vos marques, prêts ? Écoutez!

Demander à une vingtaine d’enfants de moins de 12 ans de s’asseoir et d’écouter en silence pendant une période de temps est une tâche ambitieuse. Le professeur de musique Connie Wilson et moi-même avons donc veillé à ce que les activités suivantes soient couronnées de succès.

« Qui veut faire une chasse au trésor? »

Les enfants étaient tous dedans.

La chasse au trésor sonore

1- Avant de jouer à la chasse au trésor sonore, demandez aux élèves de nommer tous les sons qu’ils entendent (e.x. un éternuement, un klaxon de voiture, des frottements de pieds).

2- Demandez aux élèves d’identifier un son qu’ils entendent fréquemment dans cette pièce et de ne pas le dire à haute voix. Choisissez un élève pour ‘jouer’ le son pendant que tout le monde se couvre les yeux (e.x. frottez une efface sur le tableau, grattez une chaise, frottez des baguettes de percussion). Demandez à des bénévoles de deviner quel était le son, ou de le décrire.

3- À vos marques… prêt… écoutez : Pendant deux minutes, asseyez-vous et écoutez. Ensuite, demandez aux élèves d’écrire ou de dessiner les sons qu’ils ont entendus. S’ils ont du mal à se rappeler de ce qu’ils ont entendu (comme moi!), ils peuvent écrire ou dessiner les sons qu’ils entendent actuellement. Demandez aux bénévoles de raconter ce qu’ils ont entendu. Remarquez les similitudes et les différences dans ce que les élèves entendent.

Astuces:
• Utilisez une aide visuelle pour indiquer où vous en êtes dans la période de deux minutes afin d’éviter la question : ‘Il reste combien de temps encore?’
• Adaptez la durée à votre groupe. Je préfère plusieurs périodes d’écoute courtes afin que la chasse au trésor soit différente à chaque fois. Compte tenu de la rapidité avec laquelle le son change dans une école primaire, une chasse aux trésors de deux minutes peut inclure le gardien qui marche dans le couloir avec un chariot, tandis que le suivant chasse au trésors peut concerner les sons du système de chauffage qui démarre, et la prochaine la pratique de basket dans le gymnase à côté.

Pensez à des environnements acoustiques diverses qui sont facilement accessibles à pied. Répétez la chasse au trésor dans chaque lieux, en écrivant ou en dessinant les sons de chacun. Discutez en comparant les lieux.

Pour Sound Bites, nous avons choisi d’écouter les escaliers, la bibliothèque et deux endroits différents de la cafétéria. L’enthousiasme des enfants pour cette activité et leur écoute attentive m’ont émerveillé. Comme vous pouvez le voir sur les images de ce post, leurs réponses sont étonnantes, complexes et variées, et en disent autant sur chaque individu que sur leur école.

Spotlight : Sound Bites

Imaginez une grande pièce : un plancher en béton, un plafond bas de carreaux, des murs de plâtre, des tables entourées de tabourets, un mur de frigos industriels et une cuisine commerciale. Vous entendez également des sons : les bourdonnements, vrombissements et claquements métalliques d’une cuisine. Imaginez la même pièce remplie d’une centaine d’enfants en train de manger. L’efficacité de la salle et l’enthousiasme qui y règne sont louables et les niveaux sonores sont impressionnants. Sous le chapeau du programme « Une école accueille un artiste », je suis ravie de faire partie de « Sound Bites », un projet visant à réduire les niveaux sonores de cette pièce, la cafétéria de l’école primaire Coronation.

À bien des égards, une cafétéria ressemble à un restaurant ou à un bar. On y trouve beaucoup de monde dans un espace fermé et beaucoup de bruit de fond. Les gens parlent fort pour être entendus, ce qui fait en sorte que les autres parlent plus fort à leur tour. En réfléchissant avec Shelly Sharp, professeure de sciences et artiste en arts visuels, nous avons posé les questions suivantes :

« Comment le son affecte-t-il notre bien-être ? Que pouvons-nous faire en tant qu’artistes, élèves et adultes pour comprendre le son et avoir un impact positif sur la qualité et le volume du son à la cafétéria de l’école primaire Coronation ? »

Ces questions entrent parfaitement dans le cadre de l’approche STEAM (Science, technology, engineering, arts, mathematics), le son permettant d’aborder des enjeux reliés à la conscience, à l’expression de soi, au comportement, aux dynamiques de groupe et à l’acoustique. Dans leur cours de science, les enfants avaient déjà étudié les molécules et le transfert d’énergie. Ils pouvaient donc baser leur apprentissage de l’acoustique et du comportement des ondes sonores sur leurs connaissances antérieures.

En utilisant des billes pour modeler les ondes sonores, l’expérience suivante permet d’améliorer la compréhension de la réflexion, de l’absorption et de la dispersion du son, et de l’acoustique d’une pièce en général.

Matériel :
• 3 billes
• 3 matériaux différents de dimensions similaires (p. ex. du bois, de la mousse viscoélastique, du carton ondulé)
• 1 mètre à ruban

Expérience :
Placez les matériaux contre un mur. Marquez un endroit sur le sol pour tirer les billes, en gardant la même distance entre la marque et les matériaux. Propulsez une bille sur chacun des matériaux, en laissant chaque bille s’arrêter après qu’elle frappe la cible. Mesurez et enregistrez la distance atteinte par la bille. Faites l’analyse des données en fonction de l’âge de vos élèves.

Discussion :
Demandez aux élèves de faire des observations :
• De quelle façon la bille a-t-elle rebondi sur les matériaux ?
• Quelles étaient les similitudes et les différences entre les rebondissements ? Qu’est-ce qui pourrait expliquer ces observations ?
• Quels sont les liens entre l’expérience et les caractéristiques sonores :

– de la pièce dans laquelle vous vous trouvez actuellement ?
– d’un environnement calme comme une bibliothèque ?
– d’un environnement bruyant comme une cafétéria ?

Cette expérience nous a permis de discuter du son de manière pratique. En cours de musique, nous avons écouté les sons de la cafétéria d’une oreille très attentive…

Il était une fois…

Pierre et le loup est un simple conte de fées. Mais ce n’est peut-être pas aussi simple qu’on pourrait le croire. Les contes de fées sont issus de traditions et de cultures de partout dans le monde. Ils racontent des histoires sur la vie quotidienne afin de divertir et d’enseigner des leçons de vie, des valeurs, de la culture et de l’histoire. Comme toutes les histoires, la personne qui raconte l’histoire, les gens à qui elle est racontée et les raisons pour lesquelles on la raconte sont tout aussi importants que l’histoire elle-même. Comment présenter Pierre et le loup aux enfants d’aujourd’hui ? CLIQUEZ ICI pour consulter le guide pédagogique que j’ai rédigé pour l’Orchestre symphonique de Montréal, qui propose des idées de jeux, des suggestions pour faciliter la médiation culturelle et l’acquisition de compétences transversales et plus encore…

Notes de mes cours de tricot

« Si tu fais une erreur, fais-en une deuxième. Comme ça, les gens penseront que tu as fait exprès. Ils ne se douteront de rien si tu ne leur dis pas! »

Voilà ce que me conseillait ma grand-mère lorsqu’elle m’apprenait à tricoter. Le tricot est parmi les choses les plus difficiles que j’aie jamais apprises, et ma tendance générale est de m’en tenir aux grandes lignes des consignes plutôt que de les suivre au pied de la lettre. Grand-maman et moi avons ainsi passé plusieurs séances de tricot hilarantes à transformer nos erreurs en « éléments de conception ». Ses paroles me sont revenues au moment où j’enregistrais l’ébauche d’un open score pour un ami collègue. Elles sont aussi d’une pertinence magnifique lorsqu’on fait de la musique créative avec des amateurs.

Que ce soit pour le tricot ou la musique, je préfère recevoir des consignes générales claires plutôt que des détails à n’en plus finir. Voilà pourquoi j’écris des open scores permettant une bonne marge de manœuvre à l’interprète. C’est avantageux lorsqu’on travaille avec des loopers, puisque chaque nouveau loop est (un peu ou très) différent du dernier. Quand je me suis installée pour enregistrer cette ébauche pour mon collègue, j’avais un plan – une liste de sections avec des choix de notes et des procédés correspondants.

Attention… on tourne!

Ébauche de Knitting Lessons, pour clarinette et loop station

Tout se passe à merveille, jusqu’à ce que :

MOI QUI ME PARLE : Zut. J’ai fait une erreur. (elle écoute quelques loops à 1 m55 s et se remémore les conseils de tricot de grand-maman)

Hummm, c’est pas pire, en fait – ça annonce en quelque sorte ce que je compte faire plus tard. (elle poursuit le procédé désigné pour cette section avec la construction d’un nouveau loop)

Alors maintenant, il faudrait intégrer cette erreur… (elle fait de la claquette sur les loopers de 2 m 35 s à 2 m 50 s)

… ouais, cool, ça marche…

Oups! En fait, j’avais autre chose en tête. (elle écoute la nouvelle « erreur » à 2 m 50 s)

À vrai dire, c’est cool, ça. Je me demande si je peux m’en servir… (elle complète le procédé)

S’il y a bien une chose que j’ai apprise grâce au looping, c’est que les événements inattendus sont tout aussi intéressants, sinon plus, que ce ceux qui étaient prévus. Les deux « erreurs » que comprennent cet enregistrement n’étaient pas intentionnelles, mais elles en sont devenues des « éléments de conception » et, en bout de ligne, elles se sont carrément retrouvées dans la partition finale. Si je m’étais arrêtée après avoir commis la première erreur, je n’aurais jamais su à quoi elle me mènerait.

Voilà comment les conseils de tricot de grand-maman me sont utiles lorsque je fais de la musique créative avec musicien·ne·s amateur·rice·s. Le moyen le plus efficace d’inhiber la créativité et l’inspiration, c’est d’adopter une approche qui oppose les bonnes réponses aux mauvaises. Parfois, certaines erreurs sont réellement des erreurs; dans ce cas-là, il est important de s’en occuper à la source (je viens de découvrir la provenance de cette satanée distorsion grésillante…). Quelles stratégies peut-on employer pour organiser une activité de musique créative où on ne cherche pas systématique à identifier les erreurs, et où on suppose que celles-ci sont riches en potentiel? J’y réfléchirai plus longuement dans les prochains articles de blog. Bonne rentrée, tout le monde!

Loops en folie

En vedette : l’École secondaire de la Pointe-aux-Trembles
Karine Lalonde, enseignante en musique
Nikola, violoniste, 3^e secondaire

Travailler avec des ados peut s’avérer aussi gratifiant que difficile. Si on réussit à les accrocher avec une activité quelconque, ils y mettront une énergie insoupçonnée – mais s’ils ne sont pas intéressés… ouille. J’ai compris que j’avais touché une corde sensible cette année lors d’un atelier Une école accueille un artiste, que j’animais alors à l’école secondaire de la Pointe-aux-Trembles. J’ai fait une démonstration de mon jeu de clarinette après l’avoir raccordé à des pédales de loop. Quand j’ai eu terminé, j’ai vu 25 ados, bouche bée, et j’ai entendu « On peut faire de la musique comme ça? », « Est-ce que je peux essayer? », « hallucinant »…

Il n’y a rien de plus facile que d’installer une pédale de loop pour quelqu’un. On active simplement le mode delay sur la pédale, on tient un micro près de leur instrument et on leur demande de jouer une note. La pédale fait rejouer cette note… encore et encore. Cette fonction permet aux gens de réécouter ce qu’ils viennent tout juste de jouer. La plupart des musiciens amateurs ont une écoute plutôt raffinée : ils distinguent instantanément ce qu’ils aiment de ce qu’ils n’aiment pas!

Ça a certainement été le cas de Nikola, violoniste qui joue de son instrument depuis cette année, et le premier élève à s’être servi de ma pédale de loop après ladite démonstration. Nous avions l’avantage d’avoir complété deux ateliers d’improvisation axés sur des jeux musicaux interactifs; d’autre part, son enseignante en musique, Karine Lalonde, lui offre actuellement une excellente formation. À part ça, je n’ai aucun mérite en ce qui concerne les échantillons sonores suivants : j’ai tenu le micro, je lui ai expliqué le fonctionnement de la pédale, et Nikola s’est chargé du reste. Quelques essais plus tard, voici son premier loop :

Loop rythmique de Nikola, réglage du delay à 120 ms

Pendant l’enregistrement de ce loop, Nikola n’était pas satisfait d’un son aigu soutenu : il souhaitait obtenir un son un peu moins strident. Karine, une excellente violoniste, lui a donc montré comment jouer une harmonique artificielle à distance de quarte – précisément le genre de son qu’il cherchait.

Puisque le premier loop de Nikola avait produit une espèce de bourdonnement rythmique, je lui ai suggéré de développer une idée contrastante en se servant de glissandos. Voici son deuxième loop :

Loop de Nikola créé à partir de glissandos, réglage du delay à 120 ms

Après le cours, j’ai voulu offrir à Nikola un exemple de ce qu’on pourrait faire avec deux loops contrastants. Voici le résultat :

Loops de Nikola, arrangement de Louise Campbell

Je serais très intéressée d’entendre les résultats auxquels Nikola serait arrivé avec ses deux loops. Ma mission actuelle : rechercher des applis gratuites permettant à des élèves d’enregistrer, de créer et de mixer leurs propres loops en se servant d’un minimum d’équipement. Tenez-vous bien, j’ai de nouveaux ateliers Une école accueille un artiste en chantier pour 2018-’19!

Une note sur les besoins techniques : il n’est pas nécessaire que l’équipement soit sophistiqué ou coûteux. Voici un principe général utile : évaluez l’équipement que vous avez à votre disposition et rajoutez-y ce qu’il faut pour qu’il puisse servir. Recherchez des applis de looping gratuites, des amplis avec fonctions delay et reverb intégrées, et des pédales de loop. Demandez à vos élèves ce qu’ils savent et font déjà : il est probable qu’il y en a parmi eux qui font déjà leur propre mixage. Servez-vous de leur équipement préféré, et vous vous retrouverez avec des experts qui s’emballeront à parler d’équipement et à partager leurs connaissances avec leurs collègues tout fraîchement branchés.

La musique au bout de vos doigts, deuxième partie

Dans l’article de blog précédent, j’ai détaillé un processus de création musicale où on emploie des téléphones cellulaires pour enregistrer des pistes et les faire rejouer. Qu’est-ce qui se passe quand on expérimente avec des notes de hauteurs variées, et quand on incorpore des instruments acoustiques?

Le processus

Demandez aux élèves d’enregistrer 3 à 5 sons filés (si bémol concert) entrecoupés de silences sur leur téléphone. Faites rejouer ces sons sur un maximum d’appareils, ce qui donnera un bourdon (drone) en si bémol concert. Ça:

Exemple: Extrait Waxworks de Trina Davies, dirigé par Glenda Stirling, design sonore de Louise Campbell (Production CUE, 2017)

2. Demandez à quelques élèves d’improviser en utilisant une gamme de si bémol concert. La simplicité est de rigueur – on obtient parfois de très beaux résultats en ne jouant que quelques notes longues ou un trait de gamme ascendant.

3. Demandez aux élèves d’enregistrer 3 à 5 sons filés (la et si bémol concert). Faites rejouer ces sons sur un maximum d’appareils.

4. Demandez à quelques téméraires d’improviser avec une gamme de si bémol concert. Comment le résultat sonore est-il différent selon qu’on improvise contre le bourdon en la ou celui en si bémol?

5. Demandez aux élèves de choisir 3 à 4 notes différentes à enregistrer, par exemple, la-do-mi-sol ou ré-fa dièse-si bémol.

6. Demandez à quelques élèves d’improviser avec les mêmes notes que celles qu’ils·elles ont enregistrées et, ensuite, d’ajouter une note à la fois jusqu’à l’obtention d’une gamme qui fonctionne avec les notes enregistrées.

Troisième étape :

Formez des groupes de 6 à 8 élèves; donnez-leur comme mission de choisir leurs propres notes, les enregistrer, les faire rejouer sur leurs cellulaires et improviser pendant la lecture des pistes. Les groupes avancés peuvent expérimenter avec la durée des sons filés et des silences. Comment cette variation simple modifie-t-elle la texture et les possibilités d’impro?

La musique au bout de vos doigts, première partie

Que se passe-t-il quand on fait de la musique avec ce bidule technologique que beaucoup de gens portent sur eux? Vous l’avez deviné – cet article de blog porte sur comment créer une musique originale à l’aide de téléphones cellulaires.

Je me suis d’abord servie de téléphones cellulaires comme sources de matériel sonore quand j’ai voulu créer l’illusion d’une forêt pleine d’oiseaux – mille mercis à la chorégraphe Louisa Rachedi, et à tou·te·s les danseurs et danseuses du Banff Creative Gesture Lab 2017, de m’avoir permis cette fantaisie! Je voulais recréer des chants d’oiseaux tels qu’on les entend dans la nature, où ils sont mobiles et proviennent d’une multitude d’endroits. J’ai demandé aux danseur·euse·s de faire jouer des chants d’oiseaux préenregistrés sur leur téléphone, et de garder l’appareil sur eux·elles en dansant. J’ai dû résoudre certains problèmes (appuyer sur play en dansant, ce n’est pas très esthétique comme pas de danse), mais l’effet était magique – la dimensionnalité du son a animé l’espace, créant un effet que je n’ai pas l’habitude d’observer à moins d’être en camping. Pour recréer cette expérience, mettez la piste suivante en file d’attente sur 6 à 8 cellulaires, et décalez l’activation de chaque appareil sur une minute :

Songbird, tel qu’interprété par au Banff Centre Creative Gesture Lab 2017, Louise Campbell.

Maintenant, voici comment intégrer des cellulaires à un processus de création musicale destiné à des élèves du secondaire :

Activez le mode avion sur tous les téléphones afin d’éviter les interruptions indésirables pendant l’enregistrement et la lecture de la piste.
Demandez aux élèves d’enregistrer de 3 à 5 sons filés entrecoupés de longs silences à l’aide du microphone et de l’application d’enregistrement intégrée au téléphone cellulaire. La sensibilité du microphone varie énormément d’un appareil à l’autre, alors laissez le temps à vos élèves de faire plusieurs captations avec le téléphone – à un, deux et trois pieds de distance – afin de déterminer ce qui donne le résultat optimal.

Exemple : signal (cue) de téléphone cellulaire tiré du design sonore de Louise Campbell pour Waxworks de Trina Davies, dirigé par Glenda Stirling (production CUE, 2017)

Activez le mode répétition ou désactivez la lecture automatique de la piste suivante. Si aucune de ces options n’est disponible, enregistrez un silence de dix secondes à la suite du dernier son filé pour que l’élève puisse interrompre la lecture du fichier audio avant que le lecteur ne passe à la prochaine piste sur la liste d’écoute.
Une fois tous les sons filés enregistrés, demandez aux élèves de faire jouer les pistes à différents moments.

Exemple : on fait jouer la piste de l’exemple précédent sur quatre téléphones. Je cherchais à incorporer un son sinistre et désincarné à une scène plutôt troublante de la pièce de théâtre Waxworks.

Reprenez l’instruction au no. 4 en demandant aux élèves de se disperser dans la salle en une variété de configurations. Comment le résultat sonore change-t-il selon l’entassement ou la dispersion des élèves? Qu’est-ce qu’on entend quand on active 6 téléphones plutôt que 26? Qu’est-ce que ça donne si on fait jouer les enregistrements presque simultanément, ou encore si on décale leur lecture sur 1 à 2 minutes? Comment pourriez-vous vous y prendre autrement pour faire jouer cette piste?

Jouer au jeu de la musique : une activité branchée!

Ce n’est pas un secret – j’ai tendance à favoriser la musique acoustique, surtout quand il s’agit de faire de la musique avec des musiciens amateurs. Je préfère me servir des outils dont les gens disposent pour faire de la musique, que ce soit la voix, la percussion corporelle, des objets trouvés ou des instruments. Imaginez-vous donc mon étonnement quand j’ai réalisé que je passais plus de temps à brancher ma clarinette qu’à en jouer de façon traditionnelle, et que mes outils technologiques s’étaient immiscés dans mon travail avec les musiciens sans formation.

Comment en suis-je arrivée là? Grâce à la danse. Je joue pour des danseurs depuis longtemps, et j’adore jouer d’un instrument acoustique dans ce contexte. Toutefois, lorsque j’occupe seule le rôle de musicienne, j’ai souvent affaire à un défi particulier : la clarinette est un instrument mélodique et, au cours d’un spectacle d’une heure, il arrive un moment où une seule mélodie ne me suffit plus. J’ai déjà contourné le problème en repoussant les limites de l’instrument, en me servant d’objets trouvés, en demandant aux danseurs de faire office de « chœur » – mais en réalité, un seul instrument mélodique ne peut me fournir la palette sonore élargie dont j’ai besoin. Je dois me dédoubler.

Voilà l’utilité des pédales de guitare. Les pédales de loop, c’est magique – on enregistre une piste, et le looper la répète allègrement jusqu’à ce qu’on lui dise d’arrêter. On superpose une autre piste… et soudainement, un instrument mélodique peut s’occuper de l’harmonie et du contrepoint. On ne fait pas que se dédoubler – on se transforme en un orchestre complet. C’est magique – et ça crée une dépendance, ce qu’on constate à observer l’expansion de ma collection de pédales.

Je ne peux certainement plus prétendre jouer d’un instrument acoustique. Je me sers de loopers et de processeurs d’effets, ce qui me donne accès à des options harmoniques et contrapuntiques, à l’échantillonnage, au traitement numérique de sons en temps réel, et à l’utilisation d’échantillons sonores préenregistrés. Je jongle avec ces éléments au fur et à mesure afin de respecter les durées variables que demandent les open scores, très courants dans le milieu de la danse. J’utilise quand même l’ensemble de mes solutions acoustiques – j’ai maintenant une gamme élargie d’options, et je choisis la solution la plus appropriée selon le cas.

L’histoire de la musique regorge de gens ingénieux ayant cherché à résoudre un défi de façon originale. Mon défi était de concevoir des œuvres de longue durée pour clarinette seule (et les partitions correspondantes) pour des projets de danse. Quel est le vôtre? Où vos solutions vous mèneront-elles? Les prochains articles de blog exploreront des technologies simples et accessibles pouvant servir à faire de la musique avec des amateurs.

S’amuser avec les sons filés

Je suis geek, je l’avoue – j’aime faire des sons filés sur mon instrument, même après 30 ans de jeu. Il s’agit d’une occasion méditative qui me permet de tout oublier et de me plaire à produire du son. J’y trouve une certaine poésie, mais je réalise que ce n’est pas le cas pour tout le monde! Or, la pratique des sons filés améliore incomparablement le jeu de mes élèves. Que faire, alors, pour la rendre intéressante et inspirante pour les moins-geek-que-moi? Ah, j’ai tellement de stratégies…

Son et silence

Instrumentation : vents, cuivres, cordes, percussions mélodiques
Âge et niveau d’habileté : tous les âges, intermédiaire à avancé
Nombre de participants : 6-35

Depuis longtemps, ma méthode de prédilection pour travailler les sons filés est un jeu musical où les instrumentistes ont deux choix :

jouer un son filé
jouer un silence

Les sons filés et les silences peuvent se chevaucher n’importe comment, ce qui crée des textures et des timbres qui évoluent au fil des entrées et des sorties intercalées des instrumentistes.

La hauteur des notes peut être prédéterminée ou non. Voici des exemples d’ensembles prédéterminés de notes :

Choisissez parmi :

Un mi situé dans n’importe quel registre
N’importe quelle note d’un accord spécifique (par exemple, do majeur ou mi mineur)
N’importe quelle note d’une gamme spécifique (par exemple, une gamme pentatonique ou une gamme de ré majeur)
N’importe quelle note d’un tétracorde tel que (0, 1, 2, 6) ou do, do dièse, ré, fa dièse
N’importe quelle note de la gamme chromatique

Pour toute option, l’exécution peut se prolonger pendant un certain temps. Encouragez l’écoute et le dialogue musical chez vos participant·es. Chaque groupe – y compris le vôtre – arrivera à un traitement différent des matériaux.

La prochaine fois, on verra comment transformer ce jeu en processus collaboratif de composition.

Les moyens du bord

Rebienvenue, tout le monde! Pour lancer la haute saison en grand, voici une anecdote en lien à la créativité en musique.

Il était une fois… je me suis cassé le bras. J’ai eu affaire à une fracture simple, et les os se soudent – bref, ça n’a pas été la catastrophe. Cela dit, quand une musicienne se casse un bras, il s’agit quand même d’un événement majeur. Après avoir reçu beaucoup de soins professionnels, mon bras s’est replacé normalement… et, en plus, je me suis mérité une cicatrice pas mal impressionnante. J’allais pouvoir rejouer! Super!!!

Euhhh… Oups. La patience n’étant pas un de mes atouts, j’y suis allée un peu trop fort. Je savais que ce n’était qu’une question de temps, mais j’avais envie de jouer. Mon bras n’avait simplement pas l’endurance nécessaire pour jouer très longtemps. En fait, au quotidien, il semblait s’essouffler au bout 10 minutes. Je n’ai jamais eu l’habitude de pratiquer pendant de longues heures, mais même pour moi, 10 minutes, ce n’est rien. J’ai donc décidé que j’allais jouer avec mes deux bras tant et aussi longtemps que mon bras nouvellement guéri pourrait le tolérer, et que je ne poursuivrais ma pratique qu’avec mon « bon » bras une fois que l’autre serait épuisé.

Le défi à surmonter était donc le suivant : j’allais devoir éviter de me servir de mon bras gauche pour jouer de la clarinette. La main gauche s’occupe du corps du haut de la clarinette; elle est essentielle à tous les doigtés. Voilà que j’allais devoir me passer du corps du haut.

Allais-je pouvoir jouer de la clarinette en ne me servant que du corps du bas? Heureusement, j’ai réussi à faire entrer mon bec dans le corps du bas. Tout à coup, je me suis retrouvée avec une « clarinette pour droitière », mon bras gauche a pu prendre une pause bien méritée (… ouf…!), et j’accédais à un monde de sons entièrement nouveau.

Ce blog porte sur la création musicale pour tout le monde – alors pourquoi est-ce que je raconte cette histoire? Parce que la créativité s’épanouit au maximum lorsqu’on doit trouver des façons de travailler en respectant des contraintes. Quand je me suis fracturé le bras, je ne m’attendais pas à découvrir la demi-clarinette, un nouvel instrument. En fait, je ne l’aurais jamais imaginé – mais quand j’ai dû trouver une façon de faire de la musique avec les moyens que j’avais, j’ai trouvé. Depuis ce moment, les découvertes qui en ont résulté ont pris beaucoup de place parmi mes activités de création. Voici Songbird, une œuvre pour demi-clarinette et loop station que j’ai composée et interprétée.

Je me sers de cette anecdote pour capter l’attention des musiciens amateurs et pour les encourager à penser en exerçant leur créativité. Si on se sent limité, (« je n’ai jamais pris de cours de musique » ou « je ne suis pas chanteur·se »), quel est donc l’envers de la limite en question? Au plan pratique, comment ces limites peuvent-elles vous amener à créer une musique qui ne vous aurait jamais effleuré l’imagination?

Bonne rentrée, tout le monde!

Étiquette : Louise Campbell clarinet