musique de création – Louise Campbell

Note sans lendemain

« Allô… allôô… allôôô… llôôô… llôôôôô… » Les jeux de cercle sont de beaux exemples concrets de ce que contribuent les individus à la formation d’un groupe. Si on remplace une personne au sein du cercle, le son du groupe s’en trouve changé. Si on fait passer un « allô » dans deux cercles, on observe la complainte des loups chez le premier groupe, et une irruption polyphonique de salutations en langues diverses chez le second. Tout dépend de la direction que vous prenez avec votre groupe.

L’article précédent décrivait un jeu de cercle basé sur la répétition et la variation. La consigne est de reproduire, de façon approximative plutôt qu’exacte, le son précédent. Parfois, c’est plus facile à dire qu’à faire. Prenons un exemple extrême : imaginez que vous imitez un son filé sur un trombone en vous servant d’un « instrument trouvé » telle qu’une branche d’arbre pleine de feuilles séchées. Évidemment, vous ne produirez pas un son de trombone. Comment peut-on simuler un son filé à l’aide d’une branche d’arbre? Cela dépend entièrement de l’élément musical que vous choisissez d’imiter.

Demandez à vos participant·e·s de faire un brainstorming des éléments constituant la musique :

Éléments temporels (rythme, durée)
Hauteur des sons (mélodie, harmonie, geste)
Nuances
Couleur et texture sonores
Forme

Le jeu de cercle établit la forme. Fixez les paramètres d’un autre élément tout en permettant aux gens de s’amuser avec les éléments restants. Voici un jeu de cercle où on a prédéterminé la hauteur des notes :

Note sans lendemain

Sélectionnez une note de hauteur prédéterminée et donnez-la au cercle. Une personne produit cette note sur une respiration complète. Lorsque vous entendez la personne à votre gauche produire un son, rajoutez votre son au sien, soit en l’imitant, soit en variant son élément temporel, ses nuances, et sa couleur et sa texture sonore.

Si ce jeu figure parmi mes préférés, c’est parce qu’il sécurise les participants (grâce à son élément prédéterminé) tout en leur donnant la liberté de s’amuser (avec le reste!). Faites jouer vos participant·e·s et laissez-les découvrir ce qu’ils·elles aiment et n’aiment pas. Vous et votre groupe constaterez l’émergence d’un son de groupe, ce qui vous mènera à la prochaine étape.

Jeux de cercle

Mon dernier billet posait la question suivante : quelles stratégies peut-on utiliser en musique créative pour se concentrer sur l’exploration des possibles plutôt que sur les erreurs? Pour reprendre une expression actuellement très tendance chez les pédagogues et les technologues, ma tâche principale consiste à « stimuler le développement de l’état d’esprit de développement (growth mindset) », que ce soit en tant qu’artiste en milieu scolaire ou comme facilitatrice de musique communautaire avec des participant·e·s de tous les âges. Mon premier contact avec mes nouveaux groupes se fait en musique. Le jeu de cercle que je propose nous fait effectivement multiplier les « allô… allôô… allôôô… llôôô… llôôôôô… »

Les jeux de cercle sont basés sur des principes tout simples : la répétition et la variation. D’abord, formez un cercle. Ensuite, jouez à « répétez après moi » : j’émets un son que tout le monde répète en groupe. La tâche ne consiste pas à reproduire avec exactitude le son du·de la chef. Elle consiste plutôt à produire un son similaire à celui du·de la chef. Commencez avec des sons simples. Faites quelques folies, pour faire bonne mesure. L’humour maintient la légèreté, développe l’écoute, ouvre l’esprit des gens quant à ce qui « se fait », et aide le groupe à passer de l’opposition des bonnes réponses aux mauvaises à une simple exploration ludique du son.

Une fois que tout le monde est à l’aise et comprend la consigne, vous êtes prêt·e·s à jouer à un jeu de cercle. En voici un exemple simple :

Assis ou debout, formez un cercle. Une personne produit un son sur une respiration complète. Lorsque vous entendez la personne à votre gauche produire un son, rajoutez votre son au sien, en l’imitant à votre manière.

Ce jeu de cercle est un excellent moyen d’encourager l’écoute. J’ai participé à des cercles de 3 à 60 personnes; côté instrumentation, toute une gamme d’options a été explorée, d’une instrumentation standard à un joyeux bordel d’objets sonores quelconques trouvés et contribués par les participant·e·s. La magie se met à opérer quand tout le monde s’écoute et participe de façon enjouée au cercle, qui développe son propre son et son propre rythme. Pour donner suite à cette introduction, le prochain article proposera des façons d’entretenir des conversations sonores approfondies.

Notes de mes cours de tricot

« Si tu fais une erreur, fais-en une deuxième. Comme ça, les gens penseront que tu as fait exprès. Ils ne se douteront de rien si tu ne leur dis pas! »

Voilà ce que me conseillait ma grand-mère lorsqu’elle m’apprenait à tricoter. Le tricot est parmi les choses les plus difficiles que j’aie jamais apprises, et ma tendance générale est de m’en tenir aux grandes lignes des consignes plutôt que de les suivre au pied de la lettre. Grand-maman et moi avons ainsi passé plusieurs séances de tricot hilarantes à transformer nos erreurs en « éléments de conception ». Ses paroles me sont revenues au moment où j’enregistrais l’ébauche d’un open score pour un ami collègue. Elles sont aussi d’une pertinence magnifique lorsqu’on fait de la musique créative avec des amateurs.

Que ce soit pour le tricot ou la musique, je préfère recevoir des consignes générales claires plutôt que des détails à n’en plus finir. Voilà pourquoi j’écris des open scores permettant une bonne marge de manœuvre à l’interprète. C’est avantageux lorsqu’on travaille avec des loopers, puisque chaque nouveau loop est (un peu ou très) différent du dernier. Quand je me suis installée pour enregistrer cette ébauche pour mon collègue, j’avais un plan – une liste de sections avec des choix de notes et des procédés correspondants.

Attention… on tourne!

Ébauche de Knitting Lessons, pour clarinette et loop station

Tout se passe à merveille, jusqu’à ce que :

MOI QUI ME PARLE : Zut. J’ai fait une erreur. (elle écoute quelques loops à 1 m55 s et se remémore les conseils de tricot de grand-maman)

Hummm, c’est pas pire, en fait – ça annonce en quelque sorte ce que je compte faire plus tard. (elle poursuit le procédé désigné pour cette section avec la construction d’un nouveau loop)

Alors maintenant, il faudrait intégrer cette erreur… (elle fait de la claquette sur les loopers de 2 m 35 s à 2 m 50 s)

… ouais, cool, ça marche…

Oups! En fait, j’avais autre chose en tête. (elle écoute la nouvelle « erreur » à 2 m 50 s)

À vrai dire, c’est cool, ça. Je me demande si je peux m’en servir… (elle complète le procédé)

S’il y a bien une chose que j’ai apprise grâce au looping, c’est que les événements inattendus sont tout aussi intéressants, sinon plus, que ce ceux qui étaient prévus. Les deux « erreurs » que comprennent cet enregistrement n’étaient pas intentionnelles, mais elles en sont devenues des « éléments de conception » et, en bout de ligne, elles se sont carrément retrouvées dans la partition finale. Si je m’étais arrêtée après avoir commis la première erreur, je n’aurais jamais su à quoi elle me mènerait.

Voilà comment les conseils de tricot de grand-maman me sont utiles lorsque je fais de la musique créative avec musicien·ne·s amateur·rice·s. Le moyen le plus efficace d’inhiber la créativité et l’inspiration, c’est d’adopter une approche qui oppose les bonnes réponses aux mauvaises. Parfois, certaines erreurs sont réellement des erreurs; dans ce cas-là, il est important de s’en occuper à la source (je viens de découvrir la provenance de cette satanée distorsion grésillante…). Quelles stratégies peut-on employer pour organiser une activité de musique créative où on ne cherche pas systématique à identifier les erreurs, et où on suppose que celles-ci sont riches en potentiel? J’y réfléchirai plus longuement dans les prochains articles de blog. Bonne rentrée, tout le monde!

Loops en folie

En vedette : l’École secondaire de la Pointe-aux-Trembles
Karine Lalonde, enseignante en musique
Nikola, violoniste, 3^e secondaire

Travailler avec des ados peut s’avérer aussi gratifiant que difficile. Si on réussit à les accrocher avec une activité quelconque, ils y mettront une énergie insoupçonnée – mais s’ils ne sont pas intéressés… ouille. J’ai compris que j’avais touché une corde sensible cette année lors d’un atelier Une école accueille un artiste, que j’animais alors à l’école secondaire de la Pointe-aux-Trembles. J’ai fait une démonstration de mon jeu de clarinette après l’avoir raccordé à des pédales de loop. Quand j’ai eu terminé, j’ai vu 25 ados, bouche bée, et j’ai entendu « On peut faire de la musique comme ça? », « Est-ce que je peux essayer? », « hallucinant »…

Il n’y a rien de plus facile que d’installer une pédale de loop pour quelqu’un. On active simplement le mode delay sur la pédale, on tient un micro près de leur instrument et on leur demande de jouer une note. La pédale fait rejouer cette note… encore et encore. Cette fonction permet aux gens de réécouter ce qu’ils viennent tout juste de jouer. La plupart des musiciens amateurs ont une écoute plutôt raffinée : ils distinguent instantanément ce qu’ils aiment de ce qu’ils n’aiment pas!

Ça a certainement été le cas de Nikola, violoniste qui joue de son instrument depuis cette année, et le premier élève à s’être servi de ma pédale de loop après ladite démonstration. Nous avions l’avantage d’avoir complété deux ateliers d’improvisation axés sur des jeux musicaux interactifs; d’autre part, son enseignante en musique, Karine Lalonde, lui offre actuellement une excellente formation. À part ça, je n’ai aucun mérite en ce qui concerne les échantillons sonores suivants : j’ai tenu le micro, je lui ai expliqué le fonctionnement de la pédale, et Nikola s’est chargé du reste. Quelques essais plus tard, voici son premier loop :

Loop rythmique de Nikola, réglage du delay à 120 ms

Pendant l’enregistrement de ce loop, Nikola n’était pas satisfait d’un son aigu soutenu : il souhaitait obtenir un son un peu moins strident. Karine, une excellente violoniste, lui a donc montré comment jouer une harmonique artificielle à distance de quarte – précisément le genre de son qu’il cherchait.

Puisque le premier loop de Nikola avait produit une espèce de bourdonnement rythmique, je lui ai suggéré de développer une idée contrastante en se servant de glissandos. Voici son deuxième loop :

Loop de Nikola créé à partir de glissandos, réglage du delay à 120 ms

Après le cours, j’ai voulu offrir à Nikola un exemple de ce qu’on pourrait faire avec deux loops contrastants. Voici le résultat :

Loops de Nikola, arrangement de Louise Campbell

Je serais très intéressée d’entendre les résultats auxquels Nikola serait arrivé avec ses deux loops. Ma mission actuelle : rechercher des applis gratuites permettant à des élèves d’enregistrer, de créer et de mixer leurs propres loops en se servant d’un minimum d’équipement. Tenez-vous bien, j’ai de nouveaux ateliers Une école accueille un artiste en chantier pour 2018-’19!

Une note sur les besoins techniques : il n’est pas nécessaire que l’équipement soit sophistiqué ou coûteux. Voici un principe général utile : évaluez l’équipement que vous avez à votre disposition et rajoutez-y ce qu’il faut pour qu’il puisse servir. Recherchez des applis de looping gratuites, des amplis avec fonctions delay et reverb intégrées, et des pédales de loop. Demandez à vos élèves ce qu’ils savent et font déjà : il est probable qu’il y en a parmi eux qui font déjà leur propre mixage. Servez-vous de leur équipement préféré, et vous vous retrouverez avec des experts qui s’emballeront à parler d’équipement et à partager leurs connaissances avec leurs collègues tout fraîchement branchés.

Ouf! Le concert approche

Vous avez beaucoup improvisé, les gens s’amusent comme des fous, et maintenant, le concert approche à grands pas. Que faire? Je vous dirais d’improviser en concert comme vous le faites déjà. Sinon, vous pouvez opter pour une approche légèrement plus compositionnelle. Prenons S’amuser avec les sons filés – l’article de blog précédent – comme point de départ, et allons un peu plus loin…

La règle principale du jeu reste la même : vous pouvez faire un son filé ou un silence. Ensuite, pour ce qui est du choix de notes… Réalisez plusieurs versions du jeu en vous servant d’ensembles de notes divers (voir l’article précédent ou créez vos propres ensembles). Votre groupe a-t-il une préférence pour certains ensembles de notes? Déterminez les ensembles de notes préférés de votre groupe, et demandez à une personne d’en « diriger » l’exécution en indiquant au groupe l’ensemble de notes à jouer ainsi que la durée désirée.

Choisissez plusieurs chefs – chaque chef dirigera l’exécution des ensembles de notes à sa façon, et à une cadence qui lui sera propre. En tant que tel, c’est fascinant à observer. Pour le concert, demandez au public de deviner les règles du jeu; ensuite, faites diriger ce même jeu par vos trois chefs les plus enthousiastes – les publics adorent, car ils y perçoivent le niveau d’engagement qu’implique la création musicale… tout en pouvant y participer!

S’amuser avec les sons filés

Je suis geek, je l’avoue – j’aime faire des sons filés sur mon instrument, même après 30 ans de jeu. Il s’agit d’une occasion méditative qui me permet de tout oublier et de me plaire à produire du son. J’y trouve une certaine poésie, mais je réalise que ce n’est pas le cas pour tout le monde! Or, la pratique des sons filés améliore incomparablement le jeu de mes élèves. Que faire, alors, pour la rendre intéressante et inspirante pour les moins-geek-que-moi? Ah, j’ai tellement de stratégies…

Son et silence

Instrumentation : vents, cuivres, cordes, percussions mélodiques
Âge et niveau d’habileté : tous les âges, intermédiaire à avancé
Nombre de participants : 6-35

Depuis longtemps, ma méthode de prédilection pour travailler les sons filés est un jeu musical où les instrumentistes ont deux choix :

jouer un son filé
jouer un silence

Les sons filés et les silences peuvent se chevaucher n’importe comment, ce qui crée des textures et des timbres qui évoluent au fil des entrées et des sorties intercalées des instrumentistes.

La hauteur des notes peut être prédéterminée ou non. Voici des exemples d’ensembles prédéterminés de notes :

Choisissez parmi :

Un mi situé dans n’importe quel registre
N’importe quelle note d’un accord spécifique (par exemple, do majeur ou mi mineur)
N’importe quelle note d’une gamme spécifique (par exemple, une gamme pentatonique ou une gamme de ré majeur)
N’importe quelle note d’un tétracorde tel que (0, 1, 2, 6) ou do, do dièse, ré, fa dièse
N’importe quelle note de la gamme chromatique

Pour toute option, l’exécution peut se prolonger pendant un certain temps. Encouragez l’écoute et le dialogue musical chez vos participant·es. Chaque groupe – y compris le vôtre – arrivera à un traitement différent des matériaux.

La prochaine fois, on verra comment transformer ce jeu en processus collaboratif de composition.

Poèmes sonores

« Tu veux que je fasse quoi? Oh non, je chante vraiment très mal… »

Quel·le musicien·ne n’a jamais entendu ou prononcé ces paroles? Au quotidien, la plupart des gens parlent. Toutefois, demandez-leur de chanter, et voilà qu’une panoplie d’insécurités se manifestent. En ce sens, j’ai plusieurs façons de mettre les gens à l’aise en contexte musical. Entre autres, je les invite à jouer avec la sonorité des mots.

Poème sonore de dix secondes

Instrumentation : voix
Âge et niveau d’habileté : tous les âges; aucune formation musicale n’est nécessaire
Nombre de participants : 6-35

Choisissez un sujet et faites un brainstorming pour trouver des mots qui s’y rattachent. Parmi mes groupes, on a déjà opté pour des noms de lieux, des thèmes liés aux saisons ou aux phénomènes naturels, et des expériences partagées. Dirigez la conversation afin qu’on y relève des onomatopées, soit des mots dont la sonorité rappelle le sens.

Par exemple, prenons l’eau :

Bloub, fschhh, bing, plouf, ploc, gloup, sploush, splotch, plic, plop, glouglou, splaf, pschitt…

La liste ne s’arrête pas là! Lancez un échange ludique avec vos participant·es où on explore une variété d’inflexions et de prononciations. On peut vocaliser le son sploush ou le chuchoter, l’étirer ou l’écourter, y incorporer des s sifflants ou un chhhh bien prolongé…

Ensuite, écrivez chaque mot sur un bout de papier et demandez à chaque participant·e de choisir un mot au hasard.

Ensuite, dirigez un Poème sonore de dix secondes : en tant que chef, indiquez le début d’une série de segments de 10 secondes. Chaque participant·e dit son mot à un moment donné pendant un de ces segments. Par exemple, je pourrais dire splouuuuuuuuuush au début – ou à la toute fin – d’un segment de dix secondes. Comme les participants vocalisent leur mot à leur façon et à intervalles variés, chaque segment de dix secondes est unique.

Le Poème sonore de dix secondes peut prendre plusieurs tournures. Le ou la chef peut modifier la durée des segments en les raccourcissant, en les allongeant, en accélérant ou en ralentissant leur cadence. Remplacez le ou la chef, ou désignez plusieurs chefs. Choisissez de nouveaux mots. Allez découvrir cet enregistrement d’une co-composition réalisée en classe selon ce procédé par mon groupe Sing! – notre création nous a bien surpris·es!

Water poem, composition collaboratif et performance par les participants de Sing!, printemps 2017

Que se passe-t-il si…

Vos élèves comprennent, de façon rudimentaire, comment les instruments produisent du son. Que se passe-t-il si on déconstruit un instrument jusqu’à ce qu’on obtienne sa composante la plus rudimentaire, soit celle qui produit du son? Que se passe-t-il si on ne joue qu’une partie de l’instrument? Que se passe-t-il si on le reconstruit à en y incorporant des objets trouvés? Que se passe-t-il si…

Vous voyez le genre. La conception et la modification des instruments, ainsi que l’exploration sonore, sont d’actualité.

Instrumentation : vents et cuivres
Âge et niveau d’habileté: tous les âges, tous les niveaux
Nombre de participants : groupe-classe complet ou groupes de 2-3

Déconstruisons la clarinette, puisque c’est l’instrument que je connais le mieux. Essentiellement, c’est l’embouchure qui sert à produire le son de l’instrument. Le corps de la clarinette sert de résonateur. Pour reconstruire une clarinette, on manipule le corps de l’instrument.

Les objets trouvés comme résonateurs : de quoi pourrait-on se servir comme résonateur, mis à part le corps de l’instrument? Pensez à des matériaux que vous avez déjà en main à la maison, tels que des tubes d’essuie-tout de différentes longueurs, un rouleau de papier d’aluminium, un ballon éclaté. Trouvez une façon d’étanchéifier le raccord entre l’embouchure et le résonateur. S’il y a de petites fuites d’air, enroulez de la pellicule plastique autour de la jonction entre l’embouchure et le résonateur pour en améliorer l’étanchéité. Comment et pourquoi différents matériaux produisent-ils des sonorités différentes?

Reconstruisez la clarinette : combien de façons différentes y a-t-il d’assembler une clarinette? Quels sons obtenez-vous si vous ne jouez qu’à travers l’embouchure et le barrillet, ou encore si vous ne jouez qu’à travers l’embouchure, le barrillet et le corps du haut? Que se passe-t-il si vous jouez de l’embouchure alors que celle-ci est insérée à même le pavillon? Que se passe-t-il si vous assemblez la clarinette normalement et vous utilisez des matériaux pour recouvrir le pavillon et les trous? Jouez un mi grave en recouvrant le pavillon d’un bol de métal, ou d’un bout de papier d’aluminium ou de papier de soie.

Le Frankenstrument! Reconstruisez la clarinette en y incorporant d’autres instruments : que se passe-t-il si vous raccordez l’embouchure de la clarinette à des résonateurs empruntés à d’autres instruments tels qu’un trombone ou une flûte?

Mise en garde : afin d’éviter qu’on endommage les instruments, je supervise la construction des Frankenstruments. Allez-y doucement! Ne forcez jamais la jonction de deux instruments. S’il est impossible de raccorder deux parties d’instruments :

Demandez à un·e participant·e de tenir l’embouchure et de souffler dedans; demandez à un·e autre participant·e d’appuyer le corps de l’instrument contre l’embouchure.
Bricolez-vous un tube servant à raccorder deux parties d’instruments.
Servez-vous de parties d’instruments injouables ou irréparables.

Amusez-vous bien! Dans ce cas-ci, j’ai confiance que vos élèves vous réserveront des surprises.

Jouer au jeu de la musique… en mode « pep rally »!

On vous a déjà demandé de diriger un atelier de musique créative pour plus de 120 adolescentes? Ça m’est arrivé – et je me suis vraiment amusée au Trafalgar School for Girls. J’étais un peu nerveuse – ça fait beaucoup de monde, et quand les ados sont enthousiastes, ils et elles dépassent vos attentes, mais sinon… eh bien, un atelier peut facilement s’avérer très laborieux. Comment allais-je donc faire pour susciter l’enthousiasme et l’engagement de ces filles dès le départ?

Lorsque je travaille avec des amateurs, ma tâche première consiste à les mettre à l’aise, puisque la créativité se manifeste spontanément chez les gens qui rient et qui s’amusent. En ce sens, les jeux sont très utiles. Je n’ai pas ménagé mes efforts, comme j’ai dirigé l’atelier à « Traf » en m’inspirant des pep rallies qu’on organise dans les écoles secondaires anglophones : j’ai organisé un jeu musical participatif lors duquel les filles ont composé, chanté et dirigé leur propre jeu musical en se basant sur celui qui s’appelle Fruit Salad.

Fruit Salad

Les partitions suivantes sont inspirées d’un jeu musical qui consiste à répéter et à combiner trois fragments chantés de quatre temps pour une durée indéterminée. J’ai fait usage de plusieurs variations sur ce procédé dans une variété de contextes : lors d’une exploration musicale avec 30 enfants dans un camp de jour; lors d’un cours de composition offert à six adultes; et lors de pep rallies baptisés Allez (le nom de votre école secondaire)!

Instrumentation : voix
Âges : 7 ans et plus
Nombre de participants : de 6 à 100 (ou plus)

J’emploie le procédé selon lequel on superpose des chants rythmés, et je l’adapte en créant des chants rythmés de longueurs variées. Typiquement, ceux-ci comptent 3, 4 ou 5 temps. Comme ils sont de durées différentes, ils s’intercalent lorsqu’on les répète. Dépendant du contexte, je compose ces fragments comme je l’ai fait pour la partition suivante, destinée à des enfants de 6 à 10 ans.

Fruit Salad. Répéter chaque fragment pour une période indéterminée. Les encadrés indiquent les mots à omettre ou à rajouter (voir Le jeu).

Lorsque c’est possible, j’invite les participant·e·s à composer ces fragments, ce qui stimule leur implication au plan créatif et leur permet de s’approprier la partition résultante. Les fragments suivants sont tirés d’une partition composée par des élèves en musique de la Trafalgar School for Girls (sous les conseils de Kirsten Offer, leur enseignante de musique) sur le thème d’ArtsFest, soit le festival bisannuel de leur école qui fait plein feux sur les arts. Mis à part les fragments contenus sur cette partition, plusieurs autres chants ont été composés; j’ai choisi et adapté ceux qui s’adapteraient bien au contexte d’un pep rally réunissant plus de 120 personnes.

Allez, Traf! Chant ArtsFest, Trafalgar School for Girls

Le jeu

Trois chefs dirigeant chacun des fragments. Fort, plus fort, et « en mode détente ». Trafalgar School for Girls

Voilà qu’on doit transformer ces partitions en jeu : d’abord, les participant·e·s doivent apprendre les fragments par cœur. On choisit un·e ou des chef(s) d’orchestre qu’on charge d’indiquer les nuances, les entrées et les sorties. Que se passe-t-il si tout le monde commence en même temps? Que se passe-t-il quand les fragments de 3 et de 4 temps commencent fort et se poursuivent decrescendo? Que se passe-t-il si une seule personne entame le fragment de 5 temps en le chuchotant?

Ensuite, on choisit un mot ou une expression parmi chacun des fragments et on le remplace par un silence. Ensuite, on en omet un autre. Et un autre. On remet un mot ou une expession ayant été enlevé. On rajoute et on enlève des éléments de différentes façons à chacun des fragments. Les carrés gris renfermant des mots dans les partitions ci-dessus présentent une façon, parmi d’autres, de regrouper des mots et des expressions afin de les enlever ou les rajouter. Portez une attention particulière aux choix que vous effectuerez en ce sens pour votre partition – ceux-ci auront un impact énorme sur la groove ou la carrure rythmique de votre pièce. Des mots et des figures rythmiques différents seront mis en relief et s’aligneront de façons variées et surprenantes, tout dépendant du moment et de la méthode employés pour l’ajout ou l’omission de mots et de phrases.

Maintenant, trouvez une façon de rajouter et omettre des mots dans le feu de l’action : inventez des signes de main pour indiquer les inclusions et les omissions. Écrivez les fragments sur un tableau blanc; couvrez et découvrez ces mots avec des bouts de papier. Pour ce qui est de votre direction, faites preuve de créativité! Mieux encore, invitez vos participant·e·s à proposer d’autres façons de diriger le jeu. Chaque groupe vous offrira des solutions différentes; la même partition résultera ainsi en une diversité de pièces. Amusez-vous bien!

Étiquette : musique de création